- Sektör: Art history
- Number of terms: 11718
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Originally the name of the official art exhibitions organised by the French Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Royal Academy of Painting and Sculpture) and its successor the Académie des Beaux Arts (Academy of Fine Arts—see Academy). From 1725 the exhibitions were held in the room called the Salon carré in the Louvre and became known simply as the Salon. This later gave rise to the generic French term of 'salon' for any large mixed art exhibition. By the mid nineteenth century the academies had become highly conservative, and by their monopoly of major exhibitions resisted the rising tide of innovation in Naturalism, Realism, Impressionism and their successors. By about 1860 the number of artists being excluded from the official Salon became so great and such a scandal that in 1863 the government was forced to set up an alternative, to accommodate the refused artists. This became known as the Salon des refusés. Three further Salons des refusés were held in 1874, 1875 and 1886. In 1884 the Salon des Indépendents was established by the Neo-Impressionists, Georges Seurat and Paul Signac, together with Odilon Redon, as an alternative exhibition for innovatory or anti-academic art. It held annual exhibitions until the start of the First World War. In 1903 the Salon d'automne was founded, also as an alternative exhibition for innovatory artists. It was there that Fauvism came to public attention in 1905. The Salon d'automne continues to be held in Paris every year. From then salon became a generic French term for a large mixed exhibition.
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L'école d'art d'avant-garde (Academia Altamira) à Buenos Aires, en Argentine, fondée en 1946 par l'artiste argentin italien Lucio Fontana et d'autres. Son objectif était de promouvoir l'idée qu'un nouvel art était nécessaire afin de refléter le monde moderne, telle que révélée par la science. En pratique, cet art est abstrait. Également en 1946 Fontana et un groupe de ses élèves a publié le Manifiesto Blanco (blanc manifeste) énonçant leurs idées. Fortement influencé par le futurisme, il réclame un art qui est une synthèse de la couleur, son, mouvement, temps et espace. Parmi les élèves de Fontana à l'Académie d'Altamira a été l'artiste brésilien Sergio de Camargo. En 1947, Fontana revient en Italie.
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En 1976, à l'apogée de l'art Minimal et de l'art conceptuel, le peintre américain R. B. Kitaj, alors basé à Londres, en Grande-Bretagne, a organisé, à la Hayward Gallery de Londres, une exposition intitulée The Human Clay. Exclusivement, il se composait de la peinture et le dessin figuratif et a fait grand bruit. Dans son texte du catalogue, Kitaj a utilisé le terme école de Londres sans serrer pour décrire les artistes qu'il avait réuni. Le nom a collé pour faire référence aux peintres à l'époque qui poursuivaient obstinément des formes de la peinture figurative, face à des formes d'avant-garde qui prévaut. Les artistes chef associés à l'idée de l'école de Londres, en plus de Kitaj lui-même, étaient Michael Andrews, Frank Auerbach, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (bien que vivant aux USA), Howard Hodgkin et Leon Kossoff. Le travail de ces artistes a été mis en évidence frais et donné un nouvel élan par le regain d'intérêt pour la peinture figurative par une jeune génération qui a eu lieu à la fin des années 1970 et 1980 (voir peinture Néo-expressionnisme et nouvel esprit).
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Au XIXe siècle, Paris, France, est devenu le centre d'une puissante école nationale de peinture et de sculpture, culminant dans les innovations éblouissantes de l'impressionnisme et le post-impressionnisme. Ainsi, dans les premières années du XXe siècle, Paris devient un aimant pour les artistes de partout dans le monde et la mise au point des innovations principales de l'art moderne, notamment le fauvisme, cubisme, art abstrait et surréalisme. L'école de Paris du terme a grandi pour décrire ce phénomène. Les chefs de jumeaux (chefs de « école) étaient le français Henri Matisse et Pablo Picasso qui s'installe à Paris de son Espagne natale en 1904. Également en 1904, le sculpteur pionnier modern Constantin Brancusi est arrivé à Paris en provenance de Roumanie et en 1906 le peintre et sculpteur Amedeo Modigliani d'Italie. Chaïm Soutine est arrivé de Russie en 1911. Le peintre russe Marc Chagall a vécu à Paris de 1910-14 et là encore de 1923-39 et 1947-9, après quoi il a déménagé pour le sud de la France. Le pionnier néerlandais de pure peinture abstraite, Piet Mondrian, s'installe à Paris en 1920 et Wassily Kandinsky en 1933. L'âge d'or de l'école de Paris s'est terminée par la seconde guerre mondiale, bien que le terme a continué à être utilisé pour décrire les artistes de Paris. Cependant, depuis environ 1950 sa domination cédée à la montée de l'école de New York.
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Groupe de quatre artistes écossais, Cadell, Fergusson, Hunter, Peploe qui furent parmi les premiers à introduire la couleur intense du mouvement Français Fauve en Grande-Bretagne. Figure de proue était Fergusson qui visite régulièrement à Paris depuis les années 1890 sur et ensuite y vit depuis 1907-14. L'expérience de ce contact étroit avec la scène de l'art d'avant-garde à Paris est resté avec lui toute sa vie.
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Une variété de gabarit d'impression, utilisant un écran issus de tissu (soie ou synthétique) étiré hermétiquement sur une trame. Les zones non imprimables sur le tissu sont noircies par un pochoir qui peut être créé par la peinture sur la colle ou de la laque, par application de film adhésif ou papier, ou peindre un photosensible résister sur l'écran qui est ensuite développée comme une photo (photo-capture d'écran). Encre ou peinture est forcé à travers le tissu ouvert avec une lame de caoutchouc, connue comme une raclette en caoutchouc, sur le papier. Sérigraphie a été utilisée commercialement depuis les années 1920 et par les artistes depuis les années 1950. Quand il fut repris par des artistes dans l'Amérique des années 1930 le terme « sérigraphie » a été utilisé pour désigner l'impression de l'artiste, par opposition aux travaux commerciaux. Le terme « sérigraphie » (soie a été initialement utilisé pour le maillage) a été et est toujours utilisé, notamment en Amérique.
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La sculpture est art tridimensionnelle faite par l'un des quatre processus fondamentaux. Ceux-ci sont de sculpture (en pierre, bois, Ivoire ou OS) ; modélisation dans l'argile ; modélisation (en argile ou en cire) et puis en le modèle en bronze ; construction (un développement du XXe siècle). Les plus ancien connus artefacts humains reconnaissables comme ce que nous appellerions sculpture date de la période dite comme le Paléolithique supérieur, qui est à peu près de 40 000 à 10 000 ans. Ces objets sont de petites figures féminines avec bulbes seins et les fesses, sculptées dans la pierre ou en ivoire et sont censés pour être les figures de la fertilité. Le plus célèbre d'entre eux est connu comme la Vénus de Willendorf (le lieu en Autriche, où il a été constaté en 1908). Sculpture s'épanouit dans l'Egypte ancienne d'environ 5 000 ans et dans la Grèce antique de quelque 2 000 ans plus tard. En Grèce, il a atteint ce qui est considéré comme un sommet de la perfection dans la période d'environ 500-400 avant JC. À cette époque, ainsi que réaliser une sculpture sculptée, les Grecs a apporté la technique de moulage sculpture en bronze à un haut degré de sophistication. Après la chute de l'Empire romain, la technique de coulée de bronze était presque perdue, mais, avec sculpté sculpture, a fait l'objet d'un renouveau important à la Renaissance. Au XXe siècle, une nouvelle façon de faire de sculpture a émergé avec les constructions cubiste de Picasso. Il s'agissait de sujets de nature morte fabriqués à partir de matériaux de rebut (trouvé) collées ensemble. Sculpture construite sous diverses formes est devenu un courant majeur dans l'art moderne. (Constructivisme ; Assemblage ; Environnement ; Installation ; Art minimal ; Sculpture de nouvelle génération. ) Utilisé inclus métal soudage techniques, présenté par Julio González, qui a également enseigné à Picasso. (Voir aussi par exemple David Smith ; Reg Butler. )
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École de Rome. Terme générique pour les artistes, basé à Rome, ou ayant des liens étroits avec elle, dans les années 1920 et 1930. Comme l'école de Paris, le terme englobe une grande variété de types de l'art. Toutefois, un retour au classicisme est un courant dominant (voir aussi retour à l'ordre). Principaux artistes : Balla, Guttuso, Martini, Pirandello, De Chirico, Severini.
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Un terme du grec philosophie Platonicienne qui signifiait une copie d'une copie d'une forme idéale. Dans postmoderniste pensé, notamment par les écrits de Gilles Deleuze et de Jean Baudrillard, le terme a été repris dans le contexte des arguments au sujet de la relation entre une œuvre d'art originale et sa réplication. Pour Baudrillard le simulacre a priorité sur l'original, avec l'effet que l'original n'est plus pertinent.
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